雕塑是人类已知的最持久，也可以说是最伟大的美术形式，在西方文化的发展中发挥了重要作用。它的历史和风格发展是西方艺术本身的历史。它是古典文化成就的一个关键指标，并成为意大利文艺复兴时期艺术发展的重要影响力 。连同建筑一起，它是纪念性宗教艺术的主要形式，几个世纪以来（约400-1800年）是欧洲文明的驱动力 。即使在今天，尽管雕塑在不断发展，但仍然是表达和纪念历史人物和事件的主要方法。

　　在它的历史上，它吸引了一些世界上最伟大的艺术家，包括古典雕塑家菲迪亚斯、埃卢瑟拉的米伦、波利克里托斯、斯科帕斯、利西普索斯、普拉西泰勒斯和莱奥查尔斯，以及多纳泰罗（1386-1466）、米开朗基罗（1475-1654）、詹博洛尼亚（1529-1608）、伟大的贝尔尼尼（1598-1680）、奥古斯特罗丁（1840-1917），亨利摩尔（1898-1986）、毕加索（1881-1973）、康斯坦丁布兰库西（1876-1957）和达米安赫斯特（1965年）。

　　在许多最好的艺术博物馆中都可以找到这种历史悠久的公共艺术形式的最高示例。

　　对于雕塑所涉及的成型过程或“可塑性”，也称为“造型艺术”，雕塑的定义应相当简单，但不幸的是并非如此。

　　这是因为在20世纪，雕塑的定义或含义已大大扩展。随着新雕塑工具和技术的发展，当代作品现在采用了各种各样的新材料，技术和空间参考方案，以至于“雕塑”不再是一个固定的术语，而是指固定类别的对象或创作活动，而是一种不断发展和重新定义自己的艺术形式。

　　20世纪之前的传统雕塑具有四个主要的特征。首先，这是唯一的三维艺术形式。第二，它具有代表性。第三，它被视为一种固体形式的艺术。所涉及的任何空白空间基本上都仅次于其体积或质量。而且，作为固体形式，它没有运动。第四，传统雕塑家仅使用两种主要技术：雕刻或建模。也就是说，他们要么直接从所选材料（例如石头，木头）上雕刻，要么可以从内部用粘土，石膏，蜡等建造雕塑。传统雕刻的模型源自古典的希腊和罗马雕塑。

　　雕塑艺术不再受传统雕塑概念，材料或生产方法的限制。它不再仅是代表性的，而常常是完全抽象的。它也不是纯粹的固态和静态：它可能以一种重要的方式引用空白空间，也可能是动态的并且能够移动。最后，除了雕刻或建模外，还可以通过多种方式进行组装，胶合，投影（全息）或构造。结果，雕塑的传统四点含义和定义不再适用。

　　以前，艺术史只了解两种基本的雕塑形式：圆形雕塑（也称为独立雕塑）和浮雕 （包括浅浮雕，上浮雕和下沉浮雕）。如今，与光有关的雕塑的新形式（例如全息图）和移动雕塑需要重新定义可能的形式。

　　21世纪造型艺术的多样性使我们只有一个明确的特征：三维。因此，雕塑的当前定义是这样的：“雕塑是视觉艺术中唯一与表达的三维形式有关的分支。”

　　三维艺术始于史前雕塑。石器时代的已知最早的作品是Berekhat拉姆的金星和坦坦的金星，既原始肖像约会230,000 BCE或更早。此后，雕塑家活跃于所有古代文明以及迄今为止的所有主要艺术运动中。继埃及雕塑之后，雕塑发展的主要黄金时期是：（1）古代（公元前500-27年）；（2）哥特时代（c.1150-1300）；（3）意大利文艺复兴时期（c.1400-1600）；（4）巴洛克雕塑（1600-1700）。

　　由于它的三维性质，并且可以在比（例如）绘画更多的不同类型的位置中进行显示，因此存在许多重要的概念和理论问题，这些问题和理论问题支配着雕塑的设计和生产。这是一个简短的示例。

　　雕塑的两个主要元素是质量和空间。质量是指雕塑的主体，即包含在其表面中的实心钻头。空间是固体雕塑周围的空气，并通过多种方式与后者发生反应：首先，它定义了雕塑的边缘；第二，它可以被雕塑的一部分包围，形成空洞或空虚的区域。第三，它可以链接雕塑的各个独立部分，从而使它们在整个空间中相互关联。

　　可以根据对这两个元素的处理方式来评估和区分雕塑作品。例如，一些雕塑家专注于雕塑的固体成分，而另一些雕塑家则更关注它与它所处的空间的关系（例如，它如何“穿越”空间或如何将其包围）。将埃及文化与亚历山大卡尔德（1898-1976）和纳姆加博（1890-1977）的作品进行比较，您会明白我的意思。

　　（大多数）雕塑的另一个重要元素是其表面。根据它们是（例如）凸面或凹面，平面或模型，有色或无色，它们可以产生完全不同的视觉效果。例如，凸表面表示满足感，饱足感，内部压力和一般的“饱满度”，而凹表面则表示外部压力，内部不充分性和可能的塌陷。再说一次，平坦的表面没有三维的暗示，而模型化的表面-包含捕捉光/阴影的脊或凹陷的表面-可以传达从黑暗中出现或退缩到黑暗中的3-D形式的强烈效果。画家对明暗对比的使用。尽管现在大多数颜料的痕迹都消失了，但古代产生的大量雕塑（例如埃及，希腊，罗马雕像/浮雕）和中世纪时期（例如哥特式大教堂的文化）都被涂料或其他着色材料覆盖，包括金箔或银箔以及其他珍贵的着色剂。或者，可以直接从象牙，玉器和黄金等珍贵的有色材料雕刻出来的雕刻家，也可以从它们的组合中雕刻出来。颜色显然可以赋予表面具有（尤其是）纹理，比例，深度和形状的不同属性。波普艺术作品中可以看到现代雕刻家对色彩的有趣使用 直接从象牙，玉，金等贵重有色材料或其组合上雕刻的雕刻家。颜色显然可以赋予表面具有（尤其是）纹理，比例，深度和形状的不同属性。波普艺术作品中可以看到现代雕刻家对色彩的有趣使用 直接从象牙，玉，金等贵重有色材料或其组合上雕刻的雕刻家。颜色显然可以赋予表面具有（尤其是）纹理，比例，深度和形状的不同属性。波普艺术作品中可以看到现代雕刻家对色彩的有趣使用贾斯珀约翰斯（Jasper Johns，生于1930年）的《啤酒罐》（Ale Cans，1964年，铜制油画，Offentliche Kunstsammlung，巴塞尔）。

　　为了在雕塑本身，雕塑之间，雕塑之间与雕塑之间，雕塑与观察者之间，雕塑与周围环境之间营造一种和谐（或不和谐）的感觉，雕塑家通常会根据雕塑的特定空间计划或方案进行创作。参考。通常基于轴和平面的系统的这种计划对于保持线性比例至关重要。因此，例如，人物的姿态通常是参照四个基本平面来计算和创建的，即：轴性原理（例如，解剖运动），正面性原理（主要在古希腊的kouros站立图中）雕塑），contrapposto-动态姿势，其中，主体的曲折或匝远离另一部分，由米开朗基罗（1475-1564）和詹博洛尼亚（1529至1608年）在作品例举的一个部分-和chiastic 姿态（姿态，其中的重量身体主要停留在一条腿上，这是希腊古典时期的比喻雕塑的典型特征。

　　雕塑家处理比例的方式差异很大。有些人（例如埃及雕塑家）观察到了等级的非自然主义比例规则（例如，最大的神灵，第二大的法老王，最小的公民等）。其他雕塑家遵循了更自然主义但同样具有象征意义的比例规则。相比之下，由于宗教或文化原因，许多部落文化采用的系统使身体的某些部位（例如头部）具有更大的尺寸。此外，雕塑的特定位置可能需要特殊的比例方法。例如，从地面上看时，安装在高大建筑物顶部的人像可能需要较大的上半身，以平衡透视效果。

　　例如，这是指需要根据周围环境的比例创建雕塑。漫步在任何主要的哥特式大教堂周围，观察装饰门道，外墙和其他表面的雕塑规模的多样性。此外，某些插图的圣经场景组可能包含几个不同的比例：圣母玛利亚和耶稣的尺寸可能相似，而使徒（例如）的尺寸可能较小。

　　这描述了雕塑图形（和其他形式）是如何连接在一起的：主体的不同部分如何以单一形式合并，或者分开的部分如何结合在一起。现实主义的法国雕塑家奥古斯特罗丹（Auguste Rodin（1840-1917））在他的形象中创造了印象派风格的连续性，而希腊早期的古典雕塑家（例如Polyklitus）和文艺复兴时期的雕塑家则倾向于采用不同的弧形形式。

　　在独立的形象雕塑中，平衡涉及两个主要问题。首先，雕塑体必须是物理稳定的-容易以爬行或倾斜的姿态实现，而在站立的雕像中则不那么容易，尤其是向前或向后倾斜时。如果天生不稳定，则必须使用底座。其次，从构图的角度来看，雕像必须具有动感或静态平衡感。没有这种和谐，美就几乎不可能实现。

　　您是否对雕塑设计理论的要素和原理的所有这些怪异概念感到困惑？不用担心，许多艺术评论家也是如此。理解雕塑的最好方法是尽可能多地观察雕塑，最好是肉体看。如果可能的话，请访问距离您最近的公共美术馆，并看一些希腊或文艺复兴时期雕塑的副本。这应该使您很好地了解传统风格的作品。此外，如果可行，请参观任何展览，其中包括抽象雕塑家的作品例如Umberto Boccioni（1882-1916），Jean Arp（1886-1966），Naum Gabo（1890-1977），Alexander Calder（1898-1976），Alberto Giacometti（1901-1966），Barbara Hepworth（1903-1975），Louise资产阶级（1911-2010），索尔勒维特（1928-2007）或理查德塞拉（b.1939）。这些现代艺术家中任何一个的抽象雕塑作品都应该给您带来很多思考。

　　几乎可以在三个维度上成型的任何材料都可以用于雕刻。但是某些材料，如石头-尤其是硬石灰石（大理石）-木材，粘土，金属（例如青铜），象牙和灰泥具有特殊的“塑性”属性，因此从史前时代开始就受到雕塑家的广泛欢迎。结果，在其大部分历史中，雕塑都是使用四种基本方法创建的：石雕，木雕，青铜铸造和陶土烧制。稀有的蝶形雕塑，仅保留给主要的雕像使用。

　　石雕，可能是最早的纪念性雕塑形式，也是纪念性作品的最佳媒介，在旧石器时代很普遍。史前石雕的原型作品包括被称为Berekhat Ram的维纳斯（公元前230,000或更早）的玄武岩雕像和被称为Tan-Tan的维纳斯（公元前200,000或更早）的石英岩雕像 。从那时起，大概最大的石刻雕像是在 1150-1300年期间为沙特尔，巴黎圣母院，亚眠，兰斯，科隆等欧洲哥特式大教堂建造的一系列圆柱雕像和浮雕。

　　雕刻了来自岩石形成的所有三个主要类别的石头，包括火成岩（例如花岗岩），沉积岩（例如石灰石和砂岩）和变质岩（例如大理石）。Donatello和Michelangelo等艺术家在罗马艺术和意大利文艺复兴时期雕塑中使用纯白色的意大利卡拉拉大理石，而希腊艺术家则更喜欢使用Pentelic大理石来制作帕台农神庙 雕塑。（另请参阅：大理石雕塑。）中世纪晚期的爱尔兰雕塑主要局限于用花岗岩制成的凯尔特人高十字架。

　　大理石雕塑的最高典范 是安提阿的亚历山德罗斯的米洛斯维纳斯（公元前130-100年）。Hagesander，Athenodoros和Polydorus的Laocoon和他的儿子们（约公元前42-20年）； 圣母怜子图（1497-99）和米开朗基罗的大卫；巴洛克式的天才贝尔尼尼（Berini）的《圣特雷莎的（1647）》；新古典主义者安东尼奥卡诺瓦（Antonio Canova）的《丘比特与普赛克（Cupid and Psyche）（1796-7）》；还有 法国天才奥古斯特罗丹（1889）的《吻》。

　　自新石器时代以来，玉雕一直是中国大师级工匠的专长，是最著名的硬石雕塑形式 。软玉和翡翠是玉石的两种最常见的类型，尽管也使用了软玉（蛇纹石的一种形式）。中国人认为玉具有重要的品质，包括纯度，美观，寿命，甚至长生不老，而雕刻家则以玉石的光泽，半透明的颜色和阴影来评价玉石。

　　木雕是最古老，最连续的雕塑。对于小型作品特别方便，在史前时期以及后来的早期基督教雕塑时代，木雕被广泛采用。例如，参见镀金的橡木雕刻，称为下吕克罗斯（Gero Cross，965-70，科隆大教堂），以及在中世纪晚期艺术时代曾在西方，尤其是德国拥有黄金时代：见证德国雕刻师Veit Stoss（1445-1533）和Tilman Riemenschneider（1460-1531）精美的宗教石灰木雕刻。后来，在巴洛克时代，木材经常以古埃及艺术的方式涂上灰泥灰泥并涂漆。现代木雕大师包括亨利摩尔（Henry Moore）（1898-1986），他以榆木斜倚人物 （1936）闻名，以及芭芭拉赫普沃斯（Barbara Hepworth）（1903-75）。

　　青铜雕刻 是一个复杂的过程，在中国，南美和埃及是独立开发的。青铜铸造需要用粘土，灰泥或蜡对模型进行建模，然后在浇铸熔融青铜后将其除去。在文艺复兴时期，失蜡方法是一种常用技术。这也是贝宁和约鲁巴人在非洲雕塑中广泛使用的技术。

　　著名的作品包括Mohenjo-Daro的《跳舞的女孩》（约公元前2500年），来自哈拉潘文化或印度梧桐谷文明的印度早期雕塑的杰作，以及大量的青铜色斑块和雕塑（使用铸模铸造制成） ），其玉器装饰位于中国中部河南省的黄河流域，其历史可追溯至夏王朝至商代以后（公元前1750年左右）。

　　雕刻粘土的历史可以追溯到石器时代的旧石器时代。被称为（当烧制的）兵马俑雕塑时，它是所有雕刻方法中最具塑性的材料，用途广泛，重量轻，价格便宜且经久耐用。尽管黏土主要用于基本模型，后来用青铜铸造或用石雕雕刻，但它也已用于制作完整比例的雕塑。已知最早的泥塑是多尔尼维斯顿尼斯（Dolni Vestonice）的金星（公元前26,000-24,000年），这是一种陶瓷小雕像，可追溯到格罗维提时期，在捷克共和国发现。旧石器时代的另一个杰作是图克奥杜伯特野牛玛格达琳时期（约公元前13500年），是未放火的两个野牛的浮雕，位于法国阿里格的图克奥杜伯特洞穴中。史前的第三部杰作是塞纳沃达思想家（公元前5,000年），这是在罗马尼亚的中石器时代的哈曼吉亚文化时期创作的标志性的陶俑。

　　但是，最著名的泥塑作品必须是中国秦始皇秦始皇兵马俑（“ Terracotta Warriors”），它是1974年在中国陕西省出土的8,000名泥塑战士和马匹的集合。可以追溯到公元前246-208年，这8,000名粘土士兵中的每一个都是独特的，具有不同的面部表情和发型。

　　已知的最早的象牙/骨头雕塑实例包括：在德国斯瓦比亚朱拉的沃格尔赫德洞穴中发现的著名的史前动物，鸟类和人类动物的猛象牙雕刻（公元前33,000-30,000年）；在Kostenky的金星（c.22,000 BCE），一个庞大的象牙雕刻一个女性形象，在俄罗斯发现的; 以及在施瓦本汝拉州发现的猛h象牙小雕像Hohlenstein-Stadel的狮子人（约公元前38,000年）。

　　用宝石制成的著名作品包括美索不达米亚雕塑，称为公羊公羊（公元前2500年），由金箔，铜，青金石和红色石灰石制成的小雕像，被发现于乌尔大死亡坑中; 以及俄罗斯北高加索地区的迈科普雕塑（Maikop Culpture）制成的迈科普金牛（公元前2500年），这是一尊金像（使用失蜡铸造法制成）。

　　20世纪雕刻家使用的材料包括次要材料，例如混凝土，以及不计其数的现代材料，例如不锈钢，玻璃纤维，铝，泡沫橡胶，纸浆，自行车零件，塑料，彩色玻璃，“发现”的物品， 等等。

　　 由开花植物，钢铁，木材和泥土制成的Puppy（1992）。

　　这种3-D艺术的基本传统形式是：独立的雕塑，四周都被空间包围；和浮雕雕塑（包括浅浮雕，中音浮雕或小屋浮雕，火星电竞入口以及下沉浮雕），其设计保持附着在背景上，通常是石头或木头。救济工作的例子可以在巨石艺术中看到，例如在纽格兰奇（爱尔兰），罗马的图拉真柱上，罗马奥林匹亚的宙斯神庙和帕台农神庙中发现的复杂螺旋雕刻。哥特式建筑浮雕出现在该时期的所有主要欧洲大教堂上：在沙特尔大教堂的南半部见证圣徒，在莱茵河大教堂的北半部见证使徒。

　　它也可以通过其主题进行分类。例如，像 多纳泰罗和米开朗基罗的大卫的两个版本一样的雕像，通常是一个人的代表性全长3D肖像，而半身通常只描绘头部，脖子和肩膀-参见乔治华盛顿的半身像。（1788年），作者是让安托万侯顿（Jean-Antoine Houdon，1741-1828年）。骑马者的雕像，例如佛罗伦萨的科西莫德美第奇的Giambologna（1529-1608）的雕像，被称为马术雕像。也许有史以来最伟大的骑马雕像是法尔科涅特的巴洛克风格的青铜骑士在圣彼得堡的Decembrist广场：沙皇彼得大帝的纪念碑和俄罗斯雕塑的杰作，尽管这是法国人创作的。

　　雕塑生动活泼的物理表现使其成为一种理想的公共艺术形式：西方文化中的最高例子是巨石 阵的巨石，雅典帕台农神庙的古典雕塑，爱尔兰的凯尔特高十字架以及第十二/ 13世纪哥特式圆柱雕像和浮雕在法国北部和德国的大教堂。

　　宗教木雕是由雕刻大师像北方文艺复兴时期采取的一个新的高度：蒂尔曼里门施奈德和维特斯特斯，其错综复杂的木制altarwork和俑清楚，而巴洛克反宗教改革刺激天主教的至尊例子基督教艺术的形式Gianlorenzo Bernini（1598-1680）创作的青铜和大理石雕塑，因Cornaro教堂系列（1645-52）而闻名，其中包括St Teresa的。

　　现代世俗的公共艺术以著名的雕塑为特色，例如自由女神像，芝加哥毕加索 -为芝加哥市政中心生产的一系列金属人像和都柏林的尖塔建筑雕塑 ，被称为“尖峰”，由伊恩里奇（Ian Ritchie（b .1947）。当代公共雕塑通过其新的空间概念以及使用以多种装置类型和固定形式的雕塑组装或创造的日常材料，继续挑战3D艺术的传统概念。

　　自1960年代以来，所谓的现代艺术已被当代艺术或后现代主义所取代。与早期的现代主义者不同，今天的后现代主义雕塑家（例如，像克莱斯奥尔登堡，罗伯特印第安纳州的流行艺术家和新流行音乐人的杰夫昆斯）可以随意使用各种各样的材料，图像和展示方法。风格趋于本地化，因为当代艺术运动中的当今趋势是不信任19世纪末和20世纪初中叶的现代艺术运动的宏伟思想和国际主义。